Mein Beitrag diesmal dreht sich um die Snowboard-Kultur und deren geschickte und profitable Vermarktung durch die Herstellerfirma Burton, die als Marktführer eine besondere Rolle in der Entwicklung spielt. Es gibt nicht nur Auszüge aus Interviews mit Firmengründer Jake Burton, den ich in der Firmenzentrale in Burlington/Vermont getroffen habe, und mit der Olympiasiegerin von 1998, Nicola Thost, zu hören. Im Rahmen der Recherchen stieß ich auf so etwas wie den selbst ernannten Historiker der Sportart, den ehemaligen Fotografen Scott Starr, der im kalifornischen Santa Barbara lebt und sich noch daran erinnert, wie Leute aus dem Surf-Milieu Das Trend-Brett (so der Titel der Sendung) entwickelten, um auf feinem Pulverschnee so etwas ähnliches hinzubekommen wie den Ritt auf den Wellen.

Anders als die Geschichte so vieler Sportarten im Olympischen Programm, die auf uralte Bewegungskonzepte und Fitnessgedanken zurückgehen, ist die des Snowboards ausgesprochen kurz. Vor 40 Jahren gab es noch nicht mal einen verbindlichen Namen für das Sportgerät. Trotzdem verwischen sich allmählich die Spuren und werden denn auch von Millionen von jungen Boardern kaum mehr wahr genommen. Nichts gegen die Dynamik, die von Leuten wie Jake Burton, aber auch den nachwachsenden Fahrern vor allem aus dem Skateboard-Milieu vorangetrieben wird. Aber wer weiß schon, dass die Sportart sehr viel einem ganz bestimmten James-Bond-Film verdankt und einem der Stuntmen in diesem Film obendrein? Und wer weiß, wie wichtig in der Entwicklung von Bretttechnologie und Bindungen das Feedback von erfolgreichen Fahrern war, die wo sie konnten, Kopf und Kragen riskierten?

Wie so oft: Selbst eine 30 Minuten lange Sendung kann die wichtigsten Informationen nur knapp anreißen und Lust darauf machen, sich ausführlicher mit der Materie zu beschäftigen. Und natürlich gab es mal wieder für ganz viele Gespräche mit kompetenten Menschen überhaupt keinen Platz in dieser Melange aus Zitaten und Geräuschen. Es lässt sich vorneweg einfach nie genau abschätzen, wieviel Material man braucht und wie man es am ökonomischsten besorgt. Und wie man es am Ende so zusammenfügt, dass es nicht übervoll und hektisch klingt.

Wie schon in den vorherigen Sendungen in der Reihe habe ich auch diesmal an ein paar Stellen Musik aus meinen Archivbeständen eingesetzt. Hier ist ein Vorgeschmack – die Musik zum Ausklang When You Push Me I Won’t Fall

Nachdem der Interviewtermin feststand, kam jedoch noch folgender Zusatzwunsch aus der Redaktion: “Nimm doch deine Videokamera mit.” Das bedeutet in der Realität ein bisschen mehr Aufwand: zur Kamera kommen zwei Objektive, ein Stativ, mehrere Mikrofone und ein Koffer mit Lampen.

Es ist nicht ganz leicht, bei einem solchen Projekt die unterschiedlichen konzeptionellen Bedürfnisse und Vorstellungen unter einen Hut zu bekommen. Nicht mal, wenn man sich an einen Ort begibt, der von der New Yorker Sonne verwöhnt wird und gleich um die Ecke von meiner Wohnung auf der Upper Westside in Manhattan liegt. Ich erinnere mich, dass Ron Carter während eines Teils des Interviews im Hintergrund Musik aus der Stereoanlage laufen ließ, weil es ihn in eine gute Stimmung brachte. Es war nicht leicht, ihn dazu zu bringen, den Apparat abzustellen. Es war jedoch nachgerade unmöglich, die Presslufthammer-Arbeiter unten auf dem Hinterhof abzustellen, deren nerviger Sound bis hoch in den elften Stock perlte und die Aufnahmen von Carters Bassspiel einfärbte.

Für den Fotografen war das kein Problem. Und für mich in  meinen Hauptjob als schreibender Journalist, der das alles beobachtet und aus dem Interview die entscheidenden Sätze herauspuhlt, wäre es das auch nicht gewesen. Aber für den Videojournalisten in mir wurde das dann sehr viel komplizierter. Sicher kann man improvisieren. Und man muss es auch so gut wie jedes Mal tun, wenn man loszieht. Denn man kann sich vor Ort die Welt nicht so backen, wie sie auf anderer Leute Flimmerkiste am besten aussieht. Aber manche Begleiterscheinungen der Abbildung von Realität sind einfach nicht zu gebrauchen. Der Sound eines Presslufthammers gehört absolut in diese Kategorie.

Improvisieren heißt, dass man eine fertige Fassung produziert, der man gar nicht ansieht, unter welchen Begleitumständen sie entstanden ist. Sicher: Man ist bei einem solchen Dreh Kameramann und Toningenieur und Interviewer in einer Person. Und man baut am Ende als Cutter auch das Ganze zusammen und sieht sich in diesem Moment womöglich auch noch genötigt, eine kreative Lösung zu finden, um die Atmosphäre und den visuellen Charakter der Arbeit anzureichern. Aber sich derart intensiv auf allen Ebenen der Videographie in den Prozess einzuschalten, ist eine reizvolle Herausforderung. Man ist, um ein schönes Wort aus der Geschichte der von den Franzosen mit sehr viel Stil und Geschmack beeinflussten Cinematographie zu zitieren, ein Auteur. Und jedes Produkt aus dieser Werkstatt ist ein Unikat und nicht geprägt von einem Formatdenken, wie es vom Fernsehen gepflegt wird, wo das Rasterdenken King ist. Und wo jeder neue Einfall, der nicht hineinpasst, stört.

Wenn mir jetzt noch iTunes erlauben würde, die iPad-App herunterzuladen, in die das Video (und der lange Text über Ron Carter) eingestrippt wurde, wäre die Welt ziemlich rund. Dass allerdings kann man nur (Schuld hat allein Apple), wenn man ein deutsches iTunes-Konto hat. Denn es handelt sich bei der Zeitschrift um die deutsche Ausgabe des Audi-Magazins, das in Hamburg von einer hervorragenden Redaktion produziert wird, die für solche Schikanen von Steve Jobs nichts kann.

Wer Lust hat, sich ohne Umweg übers iPad in die Geschichte einzulesen (und zwar in den ins Englische übersetzten Text), die Fotos von Jacob Blickenstaff anzuschauen und das Video zu betrachten, möge sich bitte auf die Reise in diese Wundertüte begeben, die Geschichte aufblättern (in der Rubrik “inspire”) und auf der Aufmacherseite des Artikels den kleinen Pfeil oben links anklicken. “Ron Carter. Auf der Suche nach dem richtigen Ton.” Es lohnt sich übrigens, das Video auf die gesamte Monitorgröße hochzuziehen.

Der Morgen des 25. November wird in die Geschichte des Landes eingehen – als der Tag, an dem die Artikulation einer politischen Idee mit drei Hundertschaften Uniformierter und einigem Reinigungspersonal samt Bulldozern ganz sachte aus dem Weg geräumt wurde. Dass die Kanadier so friedfertig sind, liegt wahrscheinlich auch daran, dass nicht jedes Land einen derartigen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Notstand vor sich herschiebt wie die USA. Zwei Tage in mehreren Vierteln in Montreal hinterließen auf den Besucher nur einen Eindruck: Die Mittelklasse hat Geld, und sie gibt es gerne aus – vor allem in den Kaufhäusern und Restaurants.

Die Aufnahmen entstanden im Vorbeigehen mit dem iPhone. Sie am selben Tag hochzuladen, verweigerte das Internetzugangsunternehmen des Hotels. Es lag nicht am Inhalt, sondern an der Datenmenge.

YouTube ermöglicht einem einen relativ guten Eindruck davon, wie die Zahlen zustande kommen und schlüsselt die Klicks zum Beispiel danach auf, ob jemand über eine Google-Suche das Link entdeckt hat oder ob jemand das Video angeschaut hat, weil er es eingebettet in irgendeinem Teil des Webs aufgespürt hat. Die aufgeschlüsselten Daten bestätigen jedoch eigentlich nur, was man ohnehin geahnt hatte: Die Masse der Leute kommt, weil sie sich verlaufen hat. Nicht weil sie exakt nach diesem Thema gesucht hat.

Das verblüffendste Analyse-Tool ist denn auch dieses hier: “Hot Spots”, ein Kurvenverlauf, der entlang einer Mittelachse dokumentiert, welche Momente und Abschnitte die Zuschauer intensiver betrachtet haben und wo ihnen die Lust ausging. Wie das genau gemessen werden kann, ist mir ein Rätsel. Es ergibt für das Buchmann-Video einen eher klassischen Verlauf, mit einem Pegelausschlag nach oben bei der 5-Minuten-Marke (von 7:10 Minuten), wo der Autor über seine Gefangennahme durch Angehörige der Roten Armee im Mai 1945 spricht. Lässt sich daraus schlussfolgern, dass dieser Aspekt der ganzen Geschichte der spannendste ist und am meisten neugierig macht? Dann wäre es vielleicht klüger gewesen, diese Passage nicht so weit hinten einzubauen, sondern weiter vorne? YouTube lässt einen mit seinen Gedanken und Schlussfolgerungen allein.

Ein zweites Beispiel ist Dear Mrs. Kennedy – 728 Klicks und in der Hauptsache ein Interview mit Buchautor Paul De Angelis. Die Hot-Spot-Kurve steigt erst gegen Ende des Videos deutlich an – in jenem Moment, in dem jenes Musikstück erklingt, das vermutlich ein wirkliches Highlight dieser Produktion ist. Es wurde von einem damals 16jährigen Musiker nach dem Attentat 1963 komponiert. Die Noten landeten in den Archiven, das Stüack wurde in dem halben Jahrhundert danach nie gespielt. Erst durch die Initiative von Paul De Angelis, der die Noten in seinem Buch aufnahm und den Komponisten ermunterte, zur Gitarre zu greifen und The Country’s Lament aufzunehmen, wurde dieses Stück zum Leben erweckt. Das Video zum Buch ist der einzige Ort, wo man diese Komposition hören kann. YouTube-Zuschauern scheint sie zu gefallen.

Katja gehört zu einer Gruppe von Bildjournalisten, die ihr Metier seit ein paar Jahren mit visuellen Ansätzen bereichern, die man in dieser Form früher nie in einer Hand gesehen hat. Sie fotografiert, zeichnet Videointerviews auf, stellt Fragen, lauscht dem gesprochenen Wort und schneidet die vielen Elemente am Ende auf eine informative und illustrative Weise zusammen. Es ist eine sehr persönliche Arbeit, die den Protagonisten der ausgewählten Geschichten weit mehr gerecht wird als etwa die Anstrengungen klassischer Fernsehteams, die mit viel Aufwand und Teams von mehreren Leuten eine künstliche Atmosphäre schaffen und möglichst jeder authentischen und spontanen Ausgangssituation aus dem Weg gehen, weil sie mit vorgefertigten Methoden und Vorstellungen schneller zu ihrem Ziel kommt. Die Schablonen im Kopf der Macher sind manchmal durchaus reizvoll. Aber wie man am Beispiel von Katja Heinemann sieht: ohne Schablone ist das Ergebnis viel unmittelbarer und eindringlich zugleich. Ihre Webseite: www.katjaheinemann.com. Die Seite der Ausstellung: www.grayingofaids.com

Foto: Katja Heinemann/Aurora

Ich wäre gerne häufiger in Alaska. Nicht nur alle fünfzehn Jahre oder so. Denn keine Landschaft in Nordamerika ist urtümlicher und faszinierender – besonders, wenn man sich mit einem kleinen Flugzeug von den ausgetretenen Pfaden und Anlaufpunkten der Touristen absetzt, die mit riesigen Kreuzfahrtschiffen zum Beispiel Hafenorte wie Skagway überrennen.

Aber es ist schwer, potenzielle Auftraggeber davon zu überzeugen, dass sich die lange Anreise von New York aus für alle Beteiligten lohnt. So fiel im November 2008 der Plan ins Wasser, die Wahlnacht im Umfeld der Kandidatin für die Vizepräsidentenwahl zu verbringen, um diese Facette Amerikas einzufangen. Die Sarah-Palin-Geschichte schien kaum jemanden in Europa besonders zu interessieren. Als ich vor einem Jahr zunächst nach Fairbanks, dann nach Anchorage und schließlich an den Palin-Wohnort Wasilla fuhr, hatte sich an der eigenartigen Zurückhaltung  gegenüber einer der einflussreichsten amerikanischen Politiker nichts geändert. Dabei gab es etwas wirklich Neues: die Geschichte über den Journalisten und Buchautor, der sich unmittelbar neben der Familie Palin eingemietet hatte. Ich konnte niemanden davon überzeugen, sich für das Thema zu interessieren.

So habe ich mir den Ort und die Verhältnisse dort nur kurz angeschaut und mich ansonsten auf die Themen konzentriert, deretwegen ich den weiten Weg unternommen hatte: die Eskimo Olympics in Fairbanks und das Interview mit dem aus der Schweiz stammenden Hundeschlittenrennfahrer Martin Buser. Von den langen Tagen und hellen Nächten Ende Juli in Fairbanks und Anchorage habe ich eine halbstündige Rundfunksendung mitgebracht: Ein Eskimo kennt keinen Schmerz, die im Januar von Deutschlandradio Kultur in der Reihe Nachspiel ausgestrahlt wurde. Die Begegnung mit Buser erschien im letzten Jahr in der Schweizer Illustrierte, wozu ein ausführliches Porträt in der Zeitschrift und ein Video für die iPad-Ausgabe gehörte.

Wenn man schon mal mit der Videoausrüstung auf Achse ist, dachte ich, kann man natürlich bei der Gelegenheit auch an einem Einsatzort wie dem Carlson Center in Fairbanks mit der Kamera arbeiten. Denn darunter leidet die Radioarbeit nicht (solange man die wichtigsten Interviews mit den passenden Mikrofonen aufnimmt). Im Gegenteil. In manchen Augenblicken verfolgt man die Aktion wie etwa beim Ear Pull sehr viel gebannter, wenn man dabei durch eine Linse schaut und die schmerzverzerrten Gesichter und das Gebrüll der Teilnehmer verfolgt. Den Ton bekommt man automatisch in den Kasten.

Warum schreibe ich heute darüber? Am 20. Juli beginnen die nächsten Eskimo Olympics. Die Veranstaltung wird übrigens in diesem Jahr 50 und ist mehr als nur ein exotisches Tamtam. Was es bedeutet und wie groß der kulturelle Stellenwert ist, lässt sich in einem Video von dreieinhalb Minuten Länge nur schwer darstellen. In einer Radiosendung von einer halben Stunde Länge dagegen war dies schon sehr viel besser möglich. Allerdings stellt der Sender diese Produktionen nicht online zum Nachhören bereit. Also habe ich beschlossen, wenigstens das bislang nicht publizierte Video in meinem Blog einzubetten. Vielleicht kommt ja jemand, der hier vorbeischaut, auf die Idee, in Berlin anzuregen, dass die Sendung in naher Zukunft wiederholt wird.

Zu dem Musikstück, das ich im Video (und in der Radiosendung) verwendet habe, haben mich die Eskimomusiker in Fairbanks inspiriert, deren schlichte und doch eindrucksvolle Musikalität aus nicht mehr als Gesang und Trommelschlägen – der Soundtrack der Tage von Fairbanks war. Ich habe meine Interpretation hochgeladen – für den, den’s interessiert. Titel: Down the Chena River.

Weitere Gedanken zu der Reise und zu meinem Verhältnis zu Alaska habe ich im letzten Jahr auf an anderer Stelle notiert.

Ende des letzten Jahres habe ich begonnen, ausführlich an einem Thema zu arbeiten, das mich schon eine ganze Weile beschäftigt und das angesichts der Frauenfußball-WM noch mal einen besonderen aktuellen Dreh erhalten hat. Es geht im weitesten Sinne um die Frage, wie Frauen im professionellen Sport von heute wirtschaftlich überleben wollen. Es geht aber auch um die Frage, in welchem Rahmen sich Frauen im Sport überhaupt auf Dauer definieren wollen. Wenn die hochgejazzte Fußballveranstaltung in Deutschland eines zeigt: dann, dass trotz aller Begeisterung für den Eventcharakter der Angelegenheit und die Chancen der deutschen Mannschaft, zum dritten Mal nacheinander Weltmeister zu werden, an einer Wahrheit nichts zur rütteln ist: Die Frauen liefern einen ziemlich dürftigen Kick. Es handelt sich um Sport zweiter Klasse.

Mit diesem Problem kämpfen Frauen auch in anderen Sportarten, aber nur im Automobilrennsport und beim Reiten versuchen sie dieser Feststellung durch eine eindeutige Herausforderung entgegenzutreten. In den USA konnten sich Frauen in der IndyCar-Serie inzwischen sogar auf ganz beachtliche Weise etablieren. Es reicht zwar noch nicht, um ständig ganze vorne mitzufahren und der einstigen reinen Männerdomäne den Dunst des Machohaften zu nehmen. Aber immer wieder blitzt bei den schnellsten Frauen wie der Amerikanerin Danica Patrick und der Schweizerin Simona de Silvestro zumindest etwas auf. Sie haben das Zeug dazu, die Männer zu schlagen.

Die Lage der Frauen und die historische Entwicklung bis an den heutigen Punkt, an dem Rennsponsoren mit sehr viel Wohlwollen Geld für weibliche Rennfahrer locker machen, habe ich sehr umfangreich in einer Sendung der Reihe Nachspiel für Deutschlandradio Kultur darstellen können. Die Sendung wurde Ende Mai am Tag der Indy 500 ausgestrahlt, die in diesem Jahr ihr hundertjähriges Jubiläum feiern konnten, Man kann sie leider nicht auf  der Seite des Senders nachhören. Vielleicht wird sie bei einer anderen Gelegenheit wiederholt.

Wie aktuell das Thema sein würde, konnte niemand ahnen. Aber eine Woche vorher erlitt Simona de Silvestro in Indianapolis einen schweren Unfall, bei dem sie gegen die Mauer prallte, sich überschlug und ihr Wagen Feuer fing. Sie erlitt schwere Brandverletzungen an den Händen und konnte in ihrem reparierten Auto nur wenig ausrichten. Die Bilder von dem Unfall und den Nachwehen konnte ich jedoch noch rechtzeitig in ein Video einbauen, das bereits fertig in der Redaktion der Schweizer Illustrierten vorlag. Für das Wochenmagazin hatte ich die eidgenössische Fahrerin zum ersten Mal bereits im Herbst 2010 bei eine Rennen in Homestead außerhalb von Miami getroffen. Die Geschichte lag in der Rennpause im Winter auf Eis, wurde aber durch den Unfall urplötzlich ganz akut. Sie erschien in der Woche nach dem Rennen in Indianapolis mit dem Video in der iPad-Ausgabe des Magazins.

Bei  dieser Produktion habe ich eine Reihe von Erfahrungen gesammelt, die jeden letzten Zweifel daran ausgeräumt haben, dass man in seiner Eigenschaft als schreibender Journalist einen Fehler macht, wenn man vor Ort nicht alle medialen Möglichkeiten nutzt, die sich einem bieten. Es zeigte sich zum Beispiel, dass es kein Problem war, ganz legal attraktives Bildmaterial von den Rennen und den Unfällen zu erhalten. Es zeigte sich aber auch einmal mehr, dass ein Video eine Dimension der porträtierten Person einfangen kann, die für ein Printmedium nun mal nicht realisieren werden kann. Die Interviews in Schweizerdeutsch vermitteln eine Form von Authentizität, die sich mit einem Text nicht erzeugen lässt.

Es ist keine leichtes Unterfangen, allein mit der Videoausrüstung vor Ort zu arbeiten und eine Leistung nach Hause zu bringen, für die eine  Fernsehproduktion drei Leute losschickt (einer für die Kamera, einer für den Ton und ein Reporter für den Bericht). Aber es hilft da kein Jammern und kein Klagen. Die Kunst besteht vor allem darin, für solche Aufnahmen möglichst viel Zeit vor Ort einzuplanen, um sich auf die vielen Eventualitäten einzustellen und trotzdem jeder Zeit bereit zu sein.

Dies ist das Resultat dieser mehrtägigen Arbeit, wozu auch in diesem Fall die Ausstattung des Videos mit Musiken aus meiner eigenen Produktion gehört: